Выставка Artisera в Бенгалуру демонстрирует современную индийскую печатную графику
Подробнее
YourStory [india, en]
yourstory.com

Выставка Artisera в Бенгалуру демонстрирует современную индийскую печатную графику

Галерея и онлайн-платформа Artisera завершает свою выставку под названием «The Mark of the Matrix — Impressions from Contemporary Indian Printmaking» в Бенгалуру. Эта экспозиция представляет работы одиннадцати современных индийских художников, специализирующихся на печатной графике.

Artisera была основана в 2025 году и занимается продвижением современного индийского искусства, традиционного искусства и предметов коллекционирования. Расположенная в Индиранагаре, Бенгалуру, платформа стремится создать гибридный опыт, сочетая физические выставки с цифровыми возможностями.

Варун Бакливал, основатель и генеральный директор Artisera, отметил, что «эта выставка отражает нашу убежденность в том, что Бенгалуру заслуживает более сильной платформы для печатной графики».

Печатная графика определяется как художественный процесс переноса чернильного изображения с подготовленной матрицы или шаблона на другую поверхность, например, бумагу или ткань. В отличие от прямого рисования, печать позволяет художнику создавать множество оригинальных копий или изданий из одного источника.

Экспозиция демонстрирует богатство и сложность этого вида искусства, представляя как опытных, так и начинающих художников со всей Индии. Среди участников выставки названы Дургадас Гараи, Душант Патель, Джайасимха Чандрашекар, Летисия Альварес, Ниша Дхинва, Приюм Талукдар, Свапнеш Вайганкар, Цэринг Неги, Венугопал VG, Виджай Багоди и Вишакха Апте.

Просмотр выставочного зала погружает зрителей не только в образы, но и в сами процессы. Каждая техника печати оставляет свой уникальный след, ритм и характер на бумаге. К таким характеристикам относятся прямые следы гравюр, тонкость травления, тональная деликатность литографии и графическая непосредственность сериграфии.

Подчеркиваются такие элементы, как давление линии, текстура бумаги, плотность чернил, вариации тона и граница соприкосновения цветов. Сам акт созерцания становится более тактильным. Бакливал объясняет концепцию выставки, говоря, что «каждый отпечаток начинается с матрицы — вырезанного деревянного блока, травленой медной пластины, литографического камня или шелкографии. Матрица — это место, где рождается, уточняется, пересматривается и в конечном итоге воплощается изображение».

Он добавляет, что «матрица является невидимым началом каждого отпечатка. В ней заключены следы труда, экспериментов и бесчисленных художественных решений».

На выставке представлены различные методы печати, включая ксилографию, травление, акватинту, гравировку, сухую иглу, литографию, сериграфию и алграфию. Бакливал утверждает, что «выставка воспевает печатную графику не просто как средство воспроизведения, а как оригинальную художественную практику, где каждый отпечаток несет свидетельство мастерства, точности и намерения».

Artisera надеется, что эта выставка станет первой в своей ежегодной серии, посвященной современной индийской печатной графике. Он отмечает, что, несмотря на богатую историю, печатная графика часто оставалась недостаточно представленной в основных программах выставок.

Галерея стремится продемонстрировать как инновационность, так и коллекционную ценность современной печатной графики, тем самым повышая осведомленность об художниках, работающих в этой области. Кроме того, в галерее предусмотрены интерактивные зоны, где посетители могут рассмотреть инструменты, матрицы и пробные оттиски до того, как они превратятся в законченное произведение.

Бакливал подчеркивает, что «в основе этой выставки лежит приглашение взглянуть за пределы готового изображения — признать матрицу истинным началом каждого отпечатка и оценить диалог между художником, материалом и процессом, который придает печатной графике ее непреходящую жизненную силу».

Групповая экспозиция делает этот диалог особенно ярким, позволяя техникам взаимодействовать по всему залу. Также отмечается радость от неожиданностей, которые может подарить выставка печатной графики: тихое, плоское изображение может раскрыть невероятную глубину при ближайшем рассмотрении.

Это открывает возможность познакомиться с искусством через интеллект руки, химию материалов и дисциплину процесса. В эпоху, все больше управляемую ИИ, печатная графика возвращает фокус творчества к человеку в центре.

Artisera совместно с Brigade Group запустили программу развития национальных художников THRESHOLD. Эта программа предоставляет финансовую поддержку, наставничество, профессиональное развитие и три выставки шести практикующих индийских визуальных художников в Бенгалуру, Ченнаи и Хайдарабаде. Участники получают шанс связать свою практику с новой аудиторией, коллекционерами и более широкой арт-экосистемой, а также доступ к проверенной сети клиентов и коллекционеров Artisera.

Бакливал заключает, что, хотя города вроде Дели, Мумбаи, Барода и Калькутты долгое время поддерживали важные традиции печатной графики, возможности для глубокого взаимодействия с этим видом искусства в Бенгалуру оставались ограниченными. Они надеются, что данная выставка поможет сформировать устойчивое сообщество вокруг печатной графики в городе.

Похожие сюжеты

Музей изящных искусств Монреаля представляет выставку скульптур и инсталляций «За пределами пьедестала»
Подробнее
yourstory.com

Музей изящных искусств Монреаля представляет выставку скульптур и инсталляций «За пределами пьедестала»

Музей изящных искусств Монреаля (MMFA) проводит девятимесячную экспозицию под названием «Beyond the Pedestal». Эта выставка демонстрирует скульптуры из коллекции музея, охватывающие период с 1960-х годов до наших дней.

Кураторство скульптурной выставки осуществляет Айрис Амизлев, куратор специальных проектов в MMFA. Согласно кураторским заметкам, экспозиция представляет разнообразные скульптурные процессы и материалы. Представленные работы иллюстрируют свободу, которую может предложить скульптурная форма творческим сообществам, и многие из них ставят под сомнение общепринятые представления о том, что составляет скульптуру.

Некоторые произведения могут располагаться не только на постаментах, но и на полу или стенах. Другие являются инсталляциями, привязанными к месту, и интегрируются в окружающую среду. В данном фотоэссе представлены некоторые из работ, включенных в специальную подборку, а также другие экспонаты, размещенные в музее.

В художественной программе участвуют такие деятели, как Ражни Перара, Дэвид Альтмейд, Ари Баюаджи, Станислав Либенский, Ярослава Брычтова, Ричард Артсчагер, Старлинг Руби, Магдалена Абаканович, Джон Пол Робинсон, Фаусто Малотти, Масаказу Кобаяси, Джакопо Фоггини, Улисс Комтуа и Массимо Геррера.

Ражни Перара, художник из Шри-Ланки, базирующаяся в Торонто, создает многопрофильные работы, сочетающие скульптуру, текстиль, глину, дерево, фонари, новые медиа и синтетическую таксидермию. Ее фигуры имеют мечтательный характер и способствуют формированию альтернативных видений для диаспорных общин.

Дэвид Альтмейд — канадский скульптор, известный своими сюрреалистическими работами, включающими фрагментированные тела, кристаллы, зеркала и архитектурные конструкции. Он представлял Канаду на Венецианской биеннале в 2007 году, и его произведения хранятся в крупных международных коллекциях.

Ари Баюаджи — художник из Индонезии, который перемещается между Монреалем и Бали. Изначально получивший образование в области гражданского строительства, он позже изучал изобразительное искусство в Университете Конкордия. Его работы используют найденные, выброшенные и повседневные материалы, собранные в различных местах.

Станислав Либенский и Ярослава Брычтова создавали скульптурные изделия из стекла. Они экспериментируют с геометрическими формами в своих совместных проектах, расширяя применение стекла в концептуальном выражении.

Ричард Артсчагер был американским художником, чье творчество занимало необычное положение между поп-артом и повседневным дизайном. Его скульптуры часто имитировали предметы мебели, но делали это провокационным и нетрадиционным способом.

Старлинг Руби — американский художник с голландскими корнями, работающий в нескольких направлениях: скульптура, керамика, живопись, коллаж, текстиль, фотография, видео и инсталляция. Он часто использует недорогие или промышленные материалы, оспаривая различие между «высоким» и «низким» искусством.

Масаказу Кобаяси — японский художник, ставший пионером в развитии волоконного искусства. Он известен тем, что превращает нити и текстильные материалы в масштабные пространственные инсталляции, исследующие природу, космос и баланс.

Магдалена Абаканович — польская художница, которая также исследовала потенциал волокна как скульптурного материала. Ее огромные подвесные волокнистые конструкции трансформировали текстиль из плоских декоративных поверхностей в иммерсивные трехмерные пространства.

Джон Пол Робинсон — канадский скульптор из стекла, исследующий темы природы, мифологии, науки, времени и стихий. Сочетание технического эксперимента и философского поиска придает его стеклянным скульптурам уникальное созерцательное качество.

Фаусто Малотти — многопрофильный итальянский художник, чья работа связывала скульптуру с музыкой, математикой, геометрией и абстракцией. Несмотря на обучение в электротехнической инженерии, он создал разнообразные керамические творения с сюрреалистическими элементами.

Джакопо Фоггини — итальянский художник и дизайнер, который преобразовывал промышленные пластиковые материалы в светящиеся инсталляции. Его работы часто напоминают светящиеся органические формы, кораллы, ветви и даже фантастические структуры.

Массимо Геррера — художник из Италии, базирующийся в Монреале. Его творчество изучает взаимосвязи между телами, языком, объектами и средой. Социальное взаимодействие становится важным художественным материалом в его творениях.

Как показано в этом фотоэссе, посещение групповой выставки скульптур и инсталляций дает опыт, который выходит за рамки простого созерцания изображения на стене. Детали и ракурсы скульптуры меняются по мере движения вокруг нее.

Когда художники задействуют текстуру, звук, свет и неожиданные материалы, они открывают новые возможности для зрителей. Групповая экспозиция делает этот опыт особенно приятным, поскольку произведения, кажется, вступают в диалог друг с другом. Одна скульптура может ощущаться интимной и хрупкой, в то время как другая может быть юмористической, тревожной или игривой. Переход от одной работы к другой создает ритм неожиданности и контраста.

Зрители постоянно находятся в процессе согласования отношений между объектами, архитектурой галереи и собственным телом в этом пространстве. Таким образом, выставка воспринимается не только интеллектуально, но и физически. Скульптура требует более активного взгляда и заставляет зрителей остро осознавать свой собственный масштаб относительно произведения. Инсталляции могут идти дальше, включая саму галерею в состав произведения искусства.

В таких выставках также присутствует замечательная непредсказуемость. Скульптуры и инсталляции часто раскрываются постепенно по мере приближения к ним. Меняются тени, поверхности по-разному ловят свет, и возникают непредвиденные связи. В итоге, удовольствие приносит не только оценка отдельных художников, но и погружение во временный ландшафт форм, материалов, идей и ощущений.

Популярное