Музей изящных искусств Монреаля (MMFA) проводит девятимесячную экспозицию под названием «Beyond the Pedestal». Эта выставка демонстрирует скульптуры из коллекции музея, охватывающие период с 1960-х годов до наших дней.
Кураторство скульптурной выставки осуществляет Айрис Амизлев, куратор специальных проектов в MMFA. Согласно кураторским заметкам, экспозиция представляет разнообразные скульптурные процессы и материалы. Представленные работы иллюстрируют свободу, которую может предложить скульптурная форма творческим сообществам, и многие из них ставят под сомнение общепринятые представления о том, что составляет скульптуру.
Некоторые произведения могут располагаться не только на постаментах, но и на полу или стенах. Другие являются инсталляциями, привязанными к месту, и интегрируются в окружающую среду. В данном фотоэссе представлены некоторые из работ, включенных в специальную подборку, а также другие экспонаты, размещенные в музее.
В художественной программе участвуют такие деятели, как Ражни Перара, Дэвид Альтмейд, Ари Баюаджи, Станислав Либенский, Ярослава Брычтова, Ричард Артсчагер, Старлинг Руби, Магдалена Абаканович, Джон Пол Робинсон, Фаусто Малотти, Масаказу Кобаяси, Джакопо Фоггини, Улисс Комтуа и Массимо Геррера.
Ражни Перара, художник из Шри-Ланки, базирующаяся в Торонто, создает многопрофильные работы, сочетающие скульптуру, текстиль, глину, дерево, фонари, новые медиа и синтетическую таксидермию. Ее фигуры имеют мечтательный характер и способствуют формированию альтернативных видений для диаспорных общин.
Дэвид Альтмейд — канадский скульптор, известный своими сюрреалистическими работами, включающими фрагментированные тела, кристаллы, зеркала и архитектурные конструкции. Он представлял Канаду на Венецианской биеннале в 2007 году, и его произведения хранятся в крупных международных коллекциях.
Ари Баюаджи — художник из Индонезии, который перемещается между Монреалем и Бали. Изначально получивший образование в области гражданского строительства, он позже изучал изобразительное искусство в Университете Конкордия. Его работы используют найденные, выброшенные и повседневные материалы, собранные в различных местах.
Станислав Либенский и Ярослава Брычтова создавали скульптурные изделия из стекла. Они экспериментируют с геометрическими формами в своих совместных проектах, расширяя применение стекла в концептуальном выражении.
Ричард Артсчагер был американским художником, чье творчество занимало необычное положение между поп-артом и повседневным дизайном. Его скульптуры часто имитировали предметы мебели, но делали это провокационным и нетрадиционным способом.
Старлинг Руби — американский художник с голландскими корнями, работающий в нескольких направлениях: скульптура, керамика, живопись, коллаж, текстиль, фотография, видео и инсталляция. Он часто использует недорогие или промышленные материалы, оспаривая различие между «высоким» и «низким» искусством.
Масаказу Кобаяси — японский художник, ставший пионером в развитии волоконного искусства. Он известен тем, что превращает нити и текстильные материалы в масштабные пространственные инсталляции, исследующие природу, космос и баланс.
Магдалена Абаканович — польская художница, которая также исследовала потенциал волокна как скульптурного материала. Ее огромные подвесные волокнистые конструкции трансформировали текстиль из плоских декоративных поверхностей в иммерсивные трехмерные пространства.
Джон Пол Робинсон — канадский скульптор из стекла, исследующий темы природы, мифологии, науки, времени и стихий. Сочетание технического эксперимента и философского поиска придает его стеклянным скульптурам уникальное созерцательное качество.
Фаусто Малотти — многопрофильный итальянский художник, чья работа связывала скульптуру с музыкой, математикой, геометрией и абстракцией. Несмотря на обучение в электротехнической инженерии, он создал разнообразные керамические творения с сюрреалистическими элементами.
Джакопо Фоггини — итальянский художник и дизайнер, который преобразовывал промышленные пластиковые материалы в светящиеся инсталляции. Его работы часто напоминают светящиеся органические формы, кораллы, ветви и даже фантастические структуры.
Массимо Геррера — художник из Италии, базирующийся в Монреале. Его творчество изучает взаимосвязи между телами, языком, объектами и средой. Социальное взаимодействие становится важным художественным материалом в его творениях.
Как показано в этом фотоэссе, посещение групповой выставки скульптур и инсталляций дает опыт, который выходит за рамки простого созерцания изображения на стене. Детали и ракурсы скульптуры меняются по мере движения вокруг нее.
Когда художники задействуют текстуру, звук, свет и неожиданные материалы, они открывают новые возможности для зрителей. Групповая экспозиция делает этот опыт особенно приятным, поскольку произведения, кажется, вступают в диалог друг с другом. Одна скульптура может ощущаться интимной и хрупкой, в то время как другая может быть юмористической, тревожной или игривой. Переход от одной работы к другой создает ритм неожиданности и контраста.
Зрители постоянно находятся в процессе согласования отношений между объектами, архитектурой галереи и собственным телом в этом пространстве. Таким образом, выставка воспринимается не только интеллектуально, но и физически. Скульптура требует более активного взгляда и заставляет зрителей остро осознавать свой собственный масштаб относительно произведения. Инсталляции могут идти дальше, включая саму галерею в состав произведения искусства.
В таких выставках также присутствует замечательная непредсказуемость. Скульптуры и инсталляции часто раскрываются постепенно по мере приближения к ним. Меняются тени, поверхности по-разному ловят свет, и возникают непредвиденные связи. В итоге, удовольствие приносит не только оценка отдельных художников, но и погружение во временный ландшафт форм, материалов, идей и ощущений.