Reflexões sobre filmes que influenciam profundamente a vida do espectador

Muitas vezes, as pessoas dizem frases como 'Você é um menino e nunca chora' ou 'Meninos não ajudam nas tarefas domésticas' — são normas que são incutidas nos meninos desde a infância. Existe o conceito de masculinidade tóxica, que por muito tempo foi amplamente aceito, embora hoje seja discutido com mais frequência e seu significado tenha mudado. No entanto, houve um tempo em que, independentemente das ações dos homens, as mulheres não interferiam em suas vidas.

Anteriormente, o conceito de masculinidade estava associado à força e ao domínio. Mas o que aconteceria se, neste mundo construído sobre conceitos de masculinidade, surgisse uma garota capaz de abalar essas noções? É essa história que o diretor tailandês Karthik Subbaraj apresenta em seu filme 'Dorothy', recentemente lançado na Netflix. Antes de chegar aos cinemas, o filme gerou grande repercussão no cinema tâmil, e após sua migração para plataformas OTT, ele continua sendo amplamente comentado, sendo chamado de um dos melhores filmes tâmiles deste ano.

O enredo narra a história de dois amigos próximos, Karthik (Rishikant) e Subbu (Sannanth), que são amigos desde a infância. Na juventude, Karthik é retratado como uma criança fraca e assustada, enquanto Subbu é o mais destemido. Subbu perdeu cedo sua mãe e irmã; seu pai, Visil (Muthukumar), é um homem que não tem medo de demonstrar sua masculinidade, e seus irmãos mais velhos compartilham dessa mesma visão.

Com o tempo, Karthik e Subbu passam por mudanças significativas. Karthik transforma-se de uma criança covarde em um homem corajoso e destemido, enquanto Subbu se torna mais fraco e sensível, perdendo sua bravura original.

Na vida de Subbu e Karthik surge Dorothy (Kirthi Suresh), que traz alegria a Subbu. No entanto, um dia Dorothy morre devido a homens em sua casa. Essa tragédia afeta Subbu de maneira extremamente negativa, como se alguém tivesse arrancado sua alma. Após perder sua mãe e irmã na infância, ele não consegue lidar com o choque da morte de Dorothy. Como resultado, ele comete um ato que prejudica profundamente a reputação de sua família, e toda a sua vida é virada de cabeça para baixo. O passo que ele dá é revelado ao espectador ao assistir ao filme.

No trailer, o diretor Karthik Subbaraj não revelou muitos detalhes, mas surge a suposição de grandes mudanças na vida de Karthik e Subbu. No entanto, as mudanças mostradas no filme impactam profundamente a consciência do espectador. Através do destino de Subbu em 'Dorothy', o espectador pode compreender a importância da identidade própria e da aceitação na sociedade. O filme mostra como uma pessoa é forçada a esconder sua verdadeira essência e usar uma máscara sob a pressão da sociedade.

O tema abordado pelo diretor Karthik Subbaraj está relacionado à transgênero. Ele buscou mostrar a luta dos personagens pela verdade completa e pela coragem. Este filme não é para todos; ele é feito para um público maduro, disposto a olhar abertamente para tais temas. O diretor merece elogios por ter tido a coragem de apresentar esta história na tela grande. As emoções que 'Dorothy' evoca no espectador causam desconforto e levam à reflexão sobre o valor da mulher neste mundo.

Apesar de o filme não ser isento de falhas, ele dedica muito tempo ao desenvolvimento do enredo. Seria útil mostrar um pouco mais da história de Dorothy para reforçar a conexão emocional com seu personagem, mas o diretor rapidamente desviou a atenção para Subbu e Karthik. Mesmo na figura da mãe de Karthik, que Subbu considera sua mãe, sente-se uma falta de emoção. A única ligação forte entre os personagens no filme é entre Karthik e Subbu. A trilha sonora do filme também é boa, criando os momentos emocionais necessários.

Quanto aos atores principais, a atuação de Rishikant no papel de Karthik foi muito boa; o espectador sente uma conexão emocional com ele. Seu personagem tem seu próprio caminho, assim como em todos os filmes de Karthik Subbaraj. Rishikant encarnou completamente seu personagem e teve sucesso nisso. No entanto, Sannanth atrai maior atenção. A transformação que ele demonstrou no papel de Subbu merece elogios. Sannanth deu vida a cada cena; o filme 'Dorothy' dependeu muito dele. Sua performance foi o verdadeiro destaque do filme, e ele lidou muito bem com o papel. Através de Subbu, Sannanth transmite todas as emoções necessárias. Além disso, Kirthi Suresh, embora apareça brevemente, impressiona no papel de Dorothy. Sua inocência e sorriso tocam o coração do espectador.

Atualmente, há protestos em massa na França: as ruas estão cheias de multidões, pessoas exibem cartazes com slogans de protesto e confrontos com a polícia são acompanhados por gritos altos contra o governo. O país, que deu ao mundo as ideias de liberdade, igualdade e fraternidade, é hoje palco de agitações civis.

Embora a França seja tradicionalmente associada à Torre Eiffel, moda, vinho e beleza, sua contribuição para o desenvolvimento do cinema mundial é imensa. O cinema francês desempenhou um papel fundamental na mudança das formas de criação e percepção de filmes, desde os estágios iniciais de desenvolvimento até a formação de uma nova escola linguística cinematográfica — a Nouvelle Vague Francesa — e narrativas modernas. O cinema francês provou repetidamente que o cinema não é apenas entretenimento, mas uma forma de livre autoexpressão.

Neste sentido, apresentamos uma visão geral de dez filmes da França que tiveram um profundo impacto no cinema mundial e serviram como material de estudo para diretores de Hollywood.

Ao discutir os filmes clássicos da França dos anos 1930 e 1940, que lançaram as bases do cinema, ou as obras de diretores como Jean-Luc Godard e François Truffaut, que quebraram as regras estabelecidas de narrativa, é impossível ignorar algumas obras icônicas. Entre elas, destaca-se o filme de 1939, «As Regras do Jogo» (The Rules of the Game), dirigido por Jean Renoir.

Este filme é considerado uma das maiores obras do cinema francês. Através da representação da vida de pessoas ricas em recepções luxuosas, seus laços amorosos e a vida cotidiana do pessoal de serviço, Renoir expôs a desigualdade de classes, a hipocrisia e o vazio moral da sociedade francesa. A força do filme reside no fato de que ele questiona toda a estrutura social, em vez de acusar um único vilão. Embora tenha enfrentado proibições e protestos no momento de seu lançamento, ele acabou entrando no panteão das maiores obras cinematográficas mundiais.

Outra obra famosa da França é «A Paixão de Joana d'Arc» (The Passion of Joan of Arc) de 1928, dirigida por Carl Theodor Dreyer. O filme, dedicado ao julgamento e morte da heroína nacional francesa, mostra qual efeito emocional o cinema pode criar, mesmo sem cenários suntuosos, cenas dinâmicas ou abundância de diálogos. Os close-ups extremos do rosto da atriz René Jean Falconetti, transmitindo medo, determinação e a tensão do interrogatório, tornam este trabalho excepcional. O foco do filme não está tanto na descrição detalhada dos eventos históricos, mas sim na fé humana, sua impotência diante do poder e seus sofrimentos psicológicos. Esta obra mantém seu lugar entre os clássicos do cinema mudo.

O próximo filme na lista é «A Grande Ilusão» (La Grande Illusion) de 1937, também dirigido por Jean Renoir. Em filmes de guerra, frequentemente se enfatiza o heroísmo, a vitória sobre o inimigo e a grandeza da nação, mas «A Grande Ilusão» questiona as fronteiras artificiais criadas pela guerra, contando a história de soldados franceses capturados pelos alemães durante a Primeira Guerra Mundial. Neste filme, o pano de fundo social, os relacionamentos pessoais e a experiência humana geral dos soldados são mais importantes do que sua nacionalidade. O olhar de Renoir não reduz a guerra a uma simples dicotomia de «um povo bom contra outro povo mau». É por isso que o filme ultrapassou os limites de seu tempo, e sua orientação humanista e ideias antinucleares lhe garantiram um lugar entre os filmes de guerra mais importantes do cinema mundial.

Em quarto lugar na lista, encontra-se «Crianças do Paraíso» (Children of Paradise) de 1945, dirigido por Marcel Carné. Este filme é considerado uma das grandes realizações do cinema francês durante um período em que o país vivia a ocupação alemã e condições de guerra difíceis. A história romântica se desenrola no cenário do mundo teatral de Paris do século XIX e explora os relacionamentos de uma mulher com vários homens que tentam conquistá-la.

No entanto, o mundo do filme não se limita apenas ao amor e à separação; também há tensão entre a arte da atuação, a fama, o desejo, o status social e a vida privada do artista.

Em seguida na lista vem «Os 400 Socos» (The 400 Blows) de 1959, dirigido por François Truffaut. Este filme tenta compreender o abandono emocional e a solidão de uma criança escondidos atrás de suas travessuras, levando a narrativa muito além de uma história infantil comum. Um adolescente chamado Antoine Doinel sente-se incompreendido tanto em casa quanto na escola. Na tentativa de corrigir seu comportamento, os adultos param de pensar nas razões desse comportamento. Truffaut, inspirado por sua própria experiência de vida, retratou a mente infantil na tela sem excesso de sentimentalismo. O uso de locais reais, a atuação natural dos atores e a câmera livre ajudaram a Nouvelle Vague Francesa a ganhar reconhecimento internacional. A cena final deste filme ainda é considerada uma das mais memoráveis na história do cinema.

O sexto filme em importância é «A Raiva» (La Haine) de 1995. A história começa em um bairro pobre na periferia de Paris. Abdel, de dezesseis anos, é gravemente ferido após ser agredido pela polícia, seu estado é crítico. Depois disso, a tensão cresce no bairro e a raiva contra a polícia aumenta. O enredo se concentra em três amigos: Vinz, Hubert e Saïd. Vinz tem raízes judaicas, Hubert é de origem africana e Saïd é árabe. Apesar das diferenças em suas identidades, eles pertencem a uma sociedade marginalizada.

A DC Studios é conhecida por seus filmes de super-heróis que entretêm os espectadores com vários projetos, incluindo franquias como Superman e Batman, bem como filmes sobre The Punisher e The Penguin. Agora, o filme 'Clayface' foi adicionado a esta lista, demonstrando que elementos de terror podem ser incorporados ao mundo dos super-heróis.

O diretor James Watkins apresenta uma versão sombria da Cidade de Gotham, onde a esperança de justiça parece quase inatingível. Nesta história, Tom Rhys Harris interpreta Matt Hagan, cujo vida desmorona devido a um certo evento, transformando-o gradualmente em um anti-herói perigoso. O filme se destaca pela forma como retrata a combinação de horror, violência e transformação de personalidade.

A linha central de 'Clayface' foca em Matt Hagan, um ator que alcançou sucesso em Hollywood. Ele tem a oportunidade de atuar em um grande projeto, o que impulsiona sua carreira, e ele recebe reconhecimento por sua atuação, até mesmo uma indicação ao Oscar.

No entanto, o sucesso de Matt é breve. Ao retornar a Gotham, ele se envolve com um gângster, o que leva a um ataque brutal que danifica permanentemente seu rosto. Este incidente muda drasticamente sua vida.

Paralelamente às mudanças físicas, uma atmosfera negativa se forma ao seu redor, afetando negativamente sua carreira de ator e levando ao declínio. Matt não quer perder sua identidade anterior e tenta restaurar sua aparência para voltar à vida anterior.

Em desespero, Matt procura ajuda da Dra. Katherine Cor (Nomi Eck), uma cientista que tenta corrigir seu rosto com um tratamento experimental. Matt espera que o procedimento coloque sua vida no caminho certo, mas acontece o contrário. O tratamento se torna um novo problema para ele, e a raiva e a escuridão dentro dele começam a prevalecer. O homem que tentou salvar sua identidade e carreira agora deseja vingança contra aqueles que considera culpados por seu colapso. É aqui que a trama toma um rumo sinistro.

A atmosfera de terror está presente no filme desde o início. Existem cenas que podem ser difíceis de assistir, acompanhadas de violência e sangue, bem como momentos que causam desconforto nos espectadores. No entanto, entre esses momentos tensos, há também cenas mais leves que suavizam um pouco o tom sério da obra.

James Watkins mergulha imediatamente o público neste mundo assustador. Quando o gângster Marcos Sjabo ataca Matt Hagan, o filme demonstra um nível de violência semelhante ao do terror slasher. Em seguida, o rosto alterado de Matt é mostrado em detalhes.

Matt, que antes era conhecido por sua beleza e olhos azuis, começa a sofrer com sua aparência. Essa mudança afeta não apenas sua aparência, mas também sua autoimagem, confiança e toda a sua vida. Gradualmente, ele começa a perder a si mesmo. O filme mostra convincentemente como o equilíbrio mental de uma pessoa pode ser perturbado quando sua identidade é tirada dela.

Outra característica do filme é o cenário da Cidade de Gotham, onde reina o caos. As ruas estão negligenciadas e as instituições governamentais são permeadas pela corrupção. Isso confere ao filme uma atmosfera semelhante à de 'Joker'. Ambos os filmes abordam o mal-estar social, a injustiça e o sistema corrupto, mas 'Clayface' apresenta esses problemas através da lente do horror e da perigosa transformação humana.

Desde o início da trama, há insinuações que acabam sendo importantes. No entanto, o problema é que alguns desses sinais são tão óbvios que os espectadores adivinham facilmente os eventos futuros. Por exemplo, no início, Matt Hagan expressa uma opinião específica sobre vingança em um talk show, o que imediatamente sugere uma possível menção posterior deste tema em um momento chave da narrativa. Os criadores parecem querer explicar antecipadamente ao espectador alguns detalhes importantes.

Há também uma atenção significativa ao hábito de submissão mútua de Matt e Katherine. Embora seja fácil prever o desenvolvimento futuro em alguns pontos, o ritmo do filme é bastante rápido. A história avança constantemente, não dando aos espectadores tempo suficiente para refletir sobre essas falhas.

Tom Rhys Harris deu vida à atuação graças à sua habilidade como ator. Ele encarnou muito bem a personagem Matt Hagan.